夏俊娜

夏俊娜，1971年出生于内蒙古。1987年考入*美术学院附属中学。1991年毕业于*美术学院附中，获毕业创作优秀奖。考入*美术学院油画系第四工作室，在校期间多次获得创作优秀奖。1995年毕业于*美术学院油画系。现为中国艺术研究院中国油画院专职画家。

中文名：夏俊娜

国籍：中国

出生地：内蒙古

出生时间：1971年

毕业院校：*美术学院油画系

职业：画家

1、人物简介

夏俊娜，1971年出生于内蒙古。1987年考入*美术学院附属中学。1991年毕业于*美术学院附中，获毕业创作优秀奖。考入*美术学院油画系第四工作室，在校期间多次获得创作优秀奖。1995年毕业于*美术学院油画系。现为中国艺术研究院中国油画院专职画家。

2、人物年表

1995年

早期作品

纪念世界反法西斯战争胜利50周年广岛艺术节（日本）；

第三界中国油画年展，作品《秋》获银奖（北京）；

1996年

上海美术双年展，（上海）；

1997年

中国艺术大展（上海）；

中国素描艺术大展（上海）；

中国青年油画展（北京）；

1998年

“世纪——女性”艺术展，获收藏家奖（北京）；

1999年

“新锐的目光”一九七零年前后出生的一代（北京）；

2000年

早期作品

“青春组曲”油画展（上海艺博画廊）；

女画家的世界——第三回展（北京）；

二十世纪中国油画展（北京）；

2001年

“细数春华”纸上作品展（*索卡画廊）；

世界妇女艺术展（北京）；

成都双年展（成都）；

2002年

“古典新视野”油画展（*沁德居画廊）；

“艺术夏至”（北京炎黄艺术馆）；

2003年

“今日中国美术”展（中华世纪坛）；

第三届油画展（北京）；

上海美术馆夏俊娜生命的丰年展---夏俊娜在开幕式上致辞

新现实主义第二回展（上海刘海粟美术馆）；

2005年

3月“生命的丰年”油画展（上海美术馆）；

5月“生命的丰年”油画展（中国美术馆）；

12月“大河上下——新中国1976-2005优秀作品展”（中国美术馆）；

2007年

“中国油画院成立作品展”（中国油画院）；

2008年

“寻源问道油画研究展”（中国美术馆）；

2009年

“画境——行旅海峡两岸油画研究展”（中国油画院美术馆）；

“中国——俄罗斯写实油画展”（中国油画院美术馆）；

“相约坊茨——中国油画院油画展”（中国潍坊画院美术馆）；

2010年

近期作品

“北京——鄂尔多斯油画研究展”（中国油画院美术馆）；

“回到写生面对原典油画作品展”（中国美术馆）；

2011年

“中国艺术研究院艺术家系列作品展——伉俪展”（中国妇女儿童博物馆）；

“中国艺术研究院艺术家系列作品展青年书画家联展”（中国妇女儿童博物馆）；

“第四届成都美术双年展”（成都美术馆）；

2012年

参加《“从现代出发：15位艺术家的15个表达”联展》，中国美术馆；

2013年

参加《2013中国油画院院展》，中国油画院美术馆；

参加《“拓展”学院艺术探索》，山东师范大学美术学院；

2014年作品

2014年

参加《“寻源问道”中国油画院院展》，21空间美术馆；

2015年

7月，参加“深入生活扎根人民”群展，中国美术馆，北京；

10月，参加“历史的温度”*美术学院与中国具象油画巡展-南京站，南京，金陵美术馆；

2016年

1月，参加“学院品格”*美院迎春名家百幅油画精品展；

参加“中国油画院新春画展”，中国油画院美术馆，北京；

3月，参加“历史的温度”*美术学院与中国具象油画巡展-山东站”，山东美术馆，山东；

3、人物获奖

1998年“世纪——女性”艺术展，获收藏家奖（北京）；

1995年第三界中国油画年展，作品《秋》获银奖（北京）；

4、出版著作

夏俊娜出版著作

作品欣赏

夏俊娜作品

夏俊娜作品

5、作品评论

生如夏花——夏俊娜的油画

夏俊娜是才华横溢的女画家，近年来在中国油画坛上升起的一颗耀眼的新星，在20世纪七十年代出生的中国画家群体中，夏俊娜是最为耀眼的画家。几乎每次艺术大展、每次油画拍卖会都能见到她风格鲜明颇具美感的作品。

《栀子花开之一》

夏俊娜的作品在表现上着重于光影的展现，在光影与色彩的展现上很有些伦勃朗的味道，但她又刻意的将物象原本的真实光影打破反其道而行，从而给画面产生出一种既丰富多彩又光怪陆离的视觉感受。与此同时，物象并未因为光影的重置而造成真实感的缺失。色彩的绚烂造型的唯美为作品带来了一股新鲜感受，一幅幅个性鲜明又意趣盎然的作品就此诞生在她的笔下。

她以独特的浪漫主义的绘画语言引起美术界的关注，她的作品极为美丽，甚至充满着一种异国情调，使人联想起那些典雅的古希腊少女。夏俊娜在孜孜不倦地描绘美丽少女的同时，似乎总是将她们置于现实的场景之外，即便是富丽的光芒，也来自那些无名的花草，原本平常的场景，却被安排得情趣盎然。

清纯女孩、鲜果、花卉始终是夏俊娜创作的题材，*平和，也很温暖。她的画时常能引发观者某种情愫，让观者浸进去，很自然，很轻易，并从此不会再退回来。在她的家里摆放着许多的花，其中一瓶干花，在她的画中常常能看到这样的影子，那种色彩厚重，姿态诡异的花。她说；自己的生活是艺术的一部分，由此她对日常杂务充满了兴致。她说；每天晨起后先干家务，以便我从梦中醒来，能进入到工作的状态里。每天几乎十点开始工作，工作五六个小时，除画画外，像绷画布、刮胶、打磨都是她自己干，常年不辍。毋庸否认，异国情调又是她画作的另一显著特点。在夏俊娜看来，油画本来就来自西方，材料本身注定了它是泊来的媒介，她取的是尊重材料的态度……

夏俊娜的作品，魅力究竟何在呢？用她自己的话来概括就是：花非似花，鸟非似鸟，人非似人。夏俊娜的画作，多以女孩与花为题。别的画家可能更追求人物的个性（个体差异），而夏俊娜却恰恰相反。她的女孩，外表都比较模糊。她这样说：“跟写实派不同的是，我的画没有主题性。我整个是烘托一种气氛、一种幻觉、一种遐思、一种飞驰天外的飘忽不定的思绪，你说这人怎么跟这人一样？但她又不一样。你再对比她们，会发现气氛还是比较一致的：潮潮的、湿湿的、暖暖的，忧忧郁郁，模模糊糊，似梦似幻。”夏俊娜的画都带有点神秘色彩，还有点抽象意味。

《女孩.花卉》

夏俊娜的作品如歌，看似洁净的旋律却能把你的心灵打动，喜欢夏俊娜的油画，她实在是个有才气的女画家。她的画，古典与现代相结合。多半描述女性的生活和内心世界，画面虽然都是热闹的场景，可是她们的眼神却是那么的迷茫，忧郁。很深刻的表达了现代社会中女性的生活状态，既有优越感，又不乏茫然空虚和挣扎。

夏俊娜的油画用她女性独有的视角，很细微地表现了一些生活中的小细节，但是让人看了却深有感触。她的色彩和用笔都比较朦胧，有一种淡淡的忧愁、淡淡的诗意，然后慢慢地蔓延着占据你的心灵，让你深陷其中……

夏俊娜的艺术作品如诗，那种纯净柔美、华丽而不张扬的格调，仿似一阵清风。夏俊娜是女人，女性艺术家，在她的作品里，你可以享受那属于你自己的完全不同的女人世界。夏俊娜，一个执着的画画的女人，一个很难同语言去描述和表达的女人，一个近乎完美的女人。她的作品，向你诉说着女性世界的完美与力量，向你诠释着一个女性艺术家眼里的完美世界。

如果你要问；夏俊娜绘画世界里的完美究竟是什么？只能说在她的绘画里，看到了东西方文化的碰撞，找到了东西方不同审美的界限。这样的绘画，让你心醉神迷，这样的绘画，能完全让你陶醉，不再计较存在于当代艺术里那种力量化的差别，也这是这种温柔的力量，让夏俊娜的画继续绽放华丽，一种不同于张扬的完全内涵，也是一种所有轻浮于表面嚣张无法战胜的美丽，一种无可比拟的积淀和精神力量，如果你不用心去感受，你无法想象，这样的绘画世界所带给你的美丽，和那一瞬间的华丽绽放……

《绿野仙踪》

夏俊娜笔下出现的几乎全是她理想中的生活场景，接近完美、有点贵族式。她描绘的人物和花卉，都在亦真亦幻的灼灼光影中，漫不经心地摇移舞动着，飘忽空灵，纯净恬淡，诗意迷人，仿佛来自一个我们既熟悉又陌生的世界。

名利之后的夏俊娜，心灵却依然宁静，并不囿于各种浮华虚幻的时尚。她只爱将自己关在小屋子里，用笔在画布上低吟浅唱，独享一段简单而又富丽的时光。她的每张画作都需要“磨”上好几天时间，她要在其中不断调整将之完善。

她把自己圈定在一个较为恬静的空间里，无意纠缠时尚的观念，独享一种快乐明朗的绘画。这就是夏俊娜作品给人的印象。有不少人羡慕夏俊娜这种单纯而又富丽的绘画风格。而事实上，夏俊娜已经进入了一个相当自我的创作阶段。她把画画看作是很快乐的事情，从未想过画一张要产生什么影响的作品，只是特别想画画，而且不停地在画。“对我而言，画画是一件很快乐的事情，我从未想过画一张要产生什么样影响的画，或应具有怎样的社会意义，我只是不停地画，我希望画画这一行为能改变我的生活品质，当然它绝非来自物质，而是融入我的生活。不知不觉中，绘画便成为了我的生活方式。”

作为一个画者，在别人的印象里，她们的生活应该是丰富多姿的，可夏俊娜的生活方式却简之又简，因为在她的感觉里，简单的生活能让她享有更单纯的快乐。也许这恰恰是今天许多追逐物质感觉的都市人，所最为欠缺的一种生活方式吧。

夏俊娜是成功的，她的作品既有艺术性又具市场性。但对于名利，夏俊娜说：“对我的今天跟昨天究竟有什么变化呢？惟一的变化，也就是所谓的成功之处-我可以自主我的生活了，仅此而已。”

6、人物自述

夏俊娜：我的创作历程和方法

991年毕业于*美术学院附中，获毕业创作优秀奖。同年考入*美术学院油画系第四工作室，师从闻立鹏、葛鹏仁、王玉平先生，探索西方油画语言与中国现当代文化的融合，在校期间习作、创作多次获奖并被学院收藏。1995年毕业于*美术学院油画系，毕业创作获得*美术学院优秀奖和日本冈松家族奖学金。

早期素描作品

95年，我研究画面语言初见端倪，出道时的毕业创作还很不成熟，它有一定冲击力，感染力，但是它的毛病也是非常刺目的，语言没有提纯，只是懵懂状态自然抒发的一个感受，拼着体力和那种年轻的冲动，在很短的时间里完成了。就像是挑战者，没什么输不起的。

93年到2003年恰恰是十年的时间，我一直在追求完美。这个完善就是纯化语言，做到无懈可击。现在我又到另一个状态，我觉得那种生命力是多么可贵，我可能就已经没有了。一个特别完美的东西，就是一个器物，是没有意思的。

意识到这种问题，我现在不害怕有缺点，我要让它有新的闪光点就可以，而且它会有我从未有过的三十岁的生命力。而且我感到我有能力驾驭这个，因为我已经驾驭十年了，我对自己有一个非常好的控制力。

如果你跟随一个你认同、喜欢的老师，你会非常迅速地吸收她的观念。我跟着申玲，越过最重要的一个坎，是我对美学的认识的一个误区。这个坎是什么呢，泛泛的讲，就是你画素描够不够写实，是不是细致，你色彩是不是很有功夫，非常学院了。你无限制的纠缠这种东西，就会过早的消耗你年轻的对本质生活的那种热爱，想要表达的那种本能。

这个是最初级的阶段，你接下来的事情是如何用一种非常具体的方式来表达你自己。不是平白无故你抓过来一个语言就可以用的，你抓过来的很可能是你最直接看到的东西，像我，有可能是我周围老师的这些东西。但这不妨碍我通过这个东西再去接触别的东西。

上附中的时候我喜欢勃纳尔和维亚尔，可能是一个小女孩对色彩最初的那种冲动和憧憬，很多人95年的时候都说我像纳米派，我也认可。

早期素描作品

接下来，毕加索的蓝色时期在我大学三、四年级的时候都会有很深的痕迹。博拉克对我最大的影响是他的画面结构和色彩分割，我觉得他真是做得无懈可击，太棒了。95年我会比较喜欢德加和整个印象派，包括库尔贝的东西我都会喜欢。97、98年，开始研究文艺复兴早期的东西，安吉列卡，波提切利这些人。

后来画了一系列形式上有宗教感的东西。去年前年我画了一批相对比较写实的东西。比较喜欢维米尔，或者意大利早期的那些宗教画。我会注意很多人不太喜欢的画家，比如吉索特，还有英国一些浮华绚丽的画家。

我从生下来感知世界，一直积累到现在。我从前所做的事情是发自我内心的，我不停的画画，这就是我的职业。画了大量的画之后，构成了我所谓的这个形象，人家会从你的画去品定你这个人是一个什么样的状态，可能会有一定延续性。我会有一些变化的，在我所认知的程度的基础上再加深，拓展。

我觉得用记忆画的东西反而比你看一眼更真实，更接近于本质。我想这是女性的优势吧，就像你说用心灵来捕捉东西。我不否认我的东西比较单一，比较孤陋。莫兰迪一辈子就画瓶瓶罐罐有谁指责他吗？

我的表达方式是比较女性化的。就是柔软的，不停的在旋转的那种感觉。你看毕加索和梵高的笔触，都是非常刚直的，在这一点上可能会有男女性别之间的差异。

早期作品

我从小也是从学国画开始的。我始终觉得把东方文化溶入到西方绘画的这种方式中，像是一句口号，倒不如自然而然的从血液里溶入。我比较喜欢用国画用运笔行笔的书写方式画油画。我会把失败的画毁掉，因为“气儿不顺”。

实际上是在用一种水墨的绘画意识，只是媒材换到油彩而已。这张画好，是因为很流畅、顺畅、生动、贯气，它具有国画的品性。我不同于其它画油画的人可能是这一点。

要做到形色结合得一笔到位，又要做到气韵生动，对于我来讲是非常困难的。我的画就是一次性的东西，再来第二笔，它就失败了。任何东西都是相通的，油画如果做到极至的时候，也是那种一气呵成的东西。

不管是国画还是油画，它也有很多那种很生硬，反复描摹的笨拙，笨拙也是非常好的东西。太流畅的东西可能也很流俗。现在是把“宁拙勿巧”这个东西推倒极端化了，好像只有无限的堆加才能达到一种画面的完整。其实繁简的对比，拙巧的对比，流畅与滞涩的对比，还有色彩的浓艳和沉稳的对比，都会使你的画面更加传神，赋予绘画灵动和表现性。

大画通常要画一个月，小画一两个星期就完成了。我画的是很快的，油画有它的局限性，有的时候我会做很厚的肌理，你要等它干，是一个非常痛苦的过程。我做肌理之前没有任何小构图，就是茫无目的的做一张。

用一百多块钱的韩国桶装的油画颜料做肌理。我的画有时候需要卷，要运到*，材料就得非常讲究。我从前年开始用荷兰的手工研制的颜料，虽然相当的贵，但怎么卷它都没事。

早期作品

只要我觉得它碍我的眼，我会非常耐心的一点一点的把多余的肌理刮掉，再拿砂纸把它打平。那也没办法，一切都是未知的。开始就是凭直觉乱铺一气，当然里面的冷暖、黑白、大小、结构、形态都要有讲究。我开始只注重画面结构，进行到第二、第三步骤，我才会注意形象在什么位置上会比较合适。

那些地方需要静，那些地方不需要，这些很具体的问题。改也是一个过程，每做一个步骤都会有一个无法预料的面貌，增加画面的可能性，我不会让任何一遍成为浪费的行动。

一个人，一个桌面，就是一个习惯性的构图方式。维米尔也经常是一个窗子，一个人，一个桌子。我所有的画面里，没有一个人的姿态是相同的，没有一个桌面、一朵花是者相同的，我很注意这些细微的差别。我会尽量让每张画不一样，但还是一个人画的啊。

任何东西都会被淘汰的，任何一个主流和前卫的东西都会退居为边缘。95、96年的时候可能会觉得架上已经落寞了，可我觉得现在活的也挺好的。这是一个特别正常的轮回，比如威尼斯电影节，DV的作品像垃圾一样多，大家再也不耐烦看这些垃圾似的作品了。

架上绘画，或者像我们研究语言已经落伍了，潜台词是这样，这个应该承认，但我不这样认为。最好大家都去搞前卫的、观念性的作品去，只留下我一个人画语言性的东西。关键还是你能不能坚持你自己的东西。一个东西终归会取代另一个东西，这就是生活中不断的变化，它很有意思。生活就是让人激起想继续下去探求它谜底的兴趣。